Éxtasis de Santa Teresa (Análisis)

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Esta escultura se encuentra en Roma en la Iglesia Santa María de la Victoria, fue realizada por el escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini, la misma pertenece al período Barroco Romano y representa a Santa Teresa de Jesús, la cual fue una escritora religiosa española. En la escultura se aprecian dos personajes, Santa Teresa y el otro es un Ángel que sostiene un dardo de oro en su mano derecha con el cual atravesó el corazón de la santa, el rostro de ella muestra dolor pero a la vez placer, esto se debe a su amor a Dios, la cual trae en su sufrimiento la dicha de ser sacrificada al señor, el abandono de la vida terrena para unirse a él en el amor.


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Dicho contraste entre la expresión dicotómica entre placer y dolor es por mucho inquietante, puesto que denota cierto masoquismo, entendiéndose como gusto por el dolor propio. La imagen fue inspirada en un párrafo escrito por Santa Teresa, en el capítulo 29 del Libro de la Vida, Bernini utiliza dicha escena junto con otros textos de la misma escritora, para crear la escultura. Asimismo, la escultura pone de manifiesto una expresión de placer en el rostro femenino, lo cual tiene en cierta forma una connotación sexual, pero que al mismo tiempo plantea como una mujer puede sentir placer solo por el hecho espiritual más que el físico.


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Por otra parte, el ángel que clava el dardo en el corazón de Santa Teresa tiene una expresión sonriente, pudiéndose interpretar como que al ángel también le da placer ser partícipe de la entrega de amor de Dios, mientras Santa Teresa se desmaya por el Dolor-Amor de Dios, se va hacia atrás en una expresión orgásmica, en dicho movimiento, es de hacer notar la maravillosa destreza y habilidad de Bernini en la escultura del ropaje, en cual crea el efecto de la suspensión en el aire por el desmayo de la santa. Cabe destacar, lo curioso de que en una época tan restrictiva en cuanto a la sexualidad, Bernini fuera capaz de representar un escena religiosa con una carga sexual tan marcada, que trae a la postre un tema tan censurado en el siglo XVII como lo era el placer femenino.

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El tatuaje. ¿Una obra de arte?

Cuando se realiza una revisión del concepto de obra de arte, la definiciones más generales en que coinciden algunos autores, atribuyen una serie de características determinadas a la obra, la cual de no poseerlas ésta dejaría de serlo, algunas de estas características son, la originalidad, la irreproductividad, y su “initulidad”, éste ultima es una característica algo polémica por cuanto en objeto o creación en particular se considera obra de arte cuando su fin último no perdigue un criterio de funcionalidad, es decir, no se ha creado con más función que el estético, o lo mencionado por Kant producir una sensación de placer o displacer.

Por otra parte, la irrepoductibidad viene dada por el hecho de que se considera que la característica principal de una obra de arte es que no puede ser reproducida, por ejemplo en una producción en serie la obra debe ser única , cuando un objeto de reproduce tantas veces para un mercado de consumo masivo pierde su valor especial y por lo tanto no es digna de apreciar, sin embargo, hoy día muchos productos de consumo son creados con diseños particularmente cuidados y si se quiere artísticos, pero éstos persiguen el fin último de vender.

Asimismo, la obra también debe ser original, es decir que no haya sido creada con anterioridad algo parecido, esto también es evaluado por la curaduría de expertos en arte, en la mayoría de salones y galerías a nivel mundial, quienes además evalúan la técnica con que fue realizada, esto ha sido muy criticado desde tiempos de la modernidad, cuando entre muchas otra cosas surgieron artistas rechazados por esos procesos curatoriales y deciden crear sus propios espacios y normas, naciendo así entre otras cosas las vanguardias. Es necesario evaluar entonces, hasta qué punto el juicio experto es necesario para considerar una obra de arte como tal.

Ejemplo de ello es el Tatuaje, actualmente, cada día es más aceptado socialmente este “arte” que tiene miles de años, es bien sabido que en un principio el mismo perseguía fines rituales, espirituales, y decorativos para algunas de las más antiguas civilizaciones, sin embargo, hoy por consenso popular se habla del arte del tatuaje como algo que no persigue más que un placer estético.

Ahora bien, cuando nos referimos a un tatuaje en particular, éste no se podría evaluar con los criterios comunes a una obra de arte, de hacerlo de esta manera, se podría decir que, un tatuaje en especifico seria arte por cuanto sea original y no hay sido realizado anteriormente, que no sea copiado en otra piel y cuya técnica sea considerada de alto nivel, donde se persigan valores plásticos propios del tatuaje que sean notables, la composición, armonía con el cuerpo, entre otros, con respecto al soporte al ser la piel humana es un arte efímero.

Pero ¿qué hacer cuando no existen normas curatoriales internacionales para el tatuaje?, un tatuaje no es algo que se comúnmente expuesto en una galería o salón, frente a esto, cada día este grupo de artistas rechazados como en un principio fueran los impresionistas, abren exposiciones y eventos llamados “expotatoo” alrededor del mundo, en donde entre otras cosas se pueden apreciar el trabajo y las obras creadas de manera directa por los artistas, allí son premiados los mejores tatuajes y su jurado está compuesto por artistas del tatuaje de notable trayectoria, esto cambia el paradigma de que los críticos de arte no son artistas, en este caso lo son.

Asimismo, si se aplican los criterios del arte académico al tatuaje muchos considerarían que un tatuaje no es una obra de arte, pero esto mismo ocurre con las creaciones de los pueblos indígenas ancestrales hoy expuestas en muchos museos, a las cuales como dice Lelia Delgado en “Introducción a la Estética de las Sociedades Antiguas en Venezuela” no se les puede aplicar el mismo concepto de arte europeo, en pero en este caso si tomamos los propios lenguajes, técnicas y normas del tatuaje, estos constituyen verdaderas obras que no tienen otro fin que el placer del observador.

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Análisis según la Teoría Formalista, del VideoArt “Video experiencia – Autoelevar el espíritu” de la artista argentina La Negra

¡Saludos! en esta ocasión les comparto un análisis formalista de un videoart, es necesario mencionar entonces que el método formalista dentro de las artes, nace es contraposición al positivismo, dándole importancia a la forma en primer lugar. La fuente de estudio y de las siguientes citas a continuación, es el libro “Problemas de la metodología de la investigación en las artes visuales”, de Oswaldo Yanez. Editado por Fundación editorial Chacao. Venezuela.

En el positivismo “…explican el arte como determinado por el medio y a partir de las condiciones materiales del objeto estético. El formalismo, implica un enfrentamiento contra esta concepción basada en la teoría estética de la visibilidad formal, propuesta por Fiedler a partir de 1876, haciendo énfasis en el valor de las formas representativas, en el valor de las formas visuales, y ópticas; más allá del contenido de la obra. Por ello, las investigaciones inscritas dentro de este método, buscar aislar la obra de la vida del artista, de ubicar el medio social, religioso, político y económico donde se gesto la obra, obvia la preocupación por la exactitud documental y de datación.” Pág. 60.

Por otro lado Enrique Wölfflin (1864-1945), alumno de Jacobo Burckhardt, “…va a ser quien definitivamente sistematizó la teoría de la visibilidad formal y la tradujo a un conjunto de conceptos fundamentales que permitieron el análisis de las formas artísticas.” Pág 62.

Para el siguiente análisis, me base en la teoría formalista, es decir, analizo solo las formas, no prestando atención a el contexto del video o de la artista, como si lo haría si hiciera un análisis semiótico por ejemplo. En este caso, tomando como ejemplo las categorizaciones hecha por Wollfing para explicar el arte renacentista y barroco, he realizado mi propia categorización o categorías para analizar las formas del videoart. El cual les comparto a continuación:

Titulo del video: Video experiencia – Autoelevar el espíritu
Artista: La Negra (Argentina) Colaboradores: suspensión a cargo de Martin del Pozo
Año: 2011 Duración: 8:30 min

Categorías Formales:

1- Expectación estática: definida por el uso estático de la cámara de grabación, es decir solo se realiza a toma continua desde un solo punto de vista, la cámara de grabación no realiza ningún movimiento panorámico ni de rotación lo cual da la sensación de que el espectador estaría estático de frente solo observando la acción realizada por la artista.

2- Simplicidad monocromática: se define como la ausencia de color en la imagen, si bien es cierto que el video no está grabado con un cámara en blanco y negro, se hace uso de un fondo blanco que junto con la iluminación relativa de la protagonista vestida solo con ropa interior negra, hace alusión a la ausencia de color, en tanto que se juega con las luz y la sombra, tal como si fuera una composición monocroma con uso del claroscuro.

3- Diálogo Corporal: Definido como la ausencia de lenguaje hablado, el movimiento del cuerpo es el que comunica el mensaje que pretende transmitir la artista, su diálogo con el espectador se produce a través del cuerpo con expresión de sus intensiones artísticas.

4- Progresión rítmica: se define como la sucesión de movimientos de velocidad progresiva y regresiva de la artista, la cual comienza con movimientos lentos que van aumentando su velocidad para luego descender la misma y terminar estática como al inicio, estos movimiento van generando patrones que van construyendo un ritmo, es decir elementos visibles que se retiren a lo largo del video.

5- Ascenso y descenso: la artista se autosuspende en el aire y luego desciende nuevamente al suelo después de haber realizado una danza en aire, esto provoca un recorrido visual de abajo hacia arriba y luego, de un lado a otro (derecha izquierda-derecha) y posteriormente de arriba hacia abajo, hasta terminar el nuevamente el suelo, habiendo ocupado entonces todo el espacio del cuadro del video, el cual es rectangular.

6- Armonía Acústica: define como los patrones rítmicos de movimiento generados por la artista de maneara progresiva y regresiva, lento-rápido-lento, armonizan con la música instrumental de fondo, que en un principio aparece en silencio, va aumentando la intensidad, la velocidad y el volumen , para luego descender armónicamente con el movimiento corporal hasta terminar en silencio.

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Mi primer dibujo con Sanguina

Hace cinco años que ingresé oficialmente a estudiar Artes plásticas en la universidad, aun con una carrera previa nunca me imaginé todo el universo que describiría en las artes, comenzando desde el oficio hasta la teoría, la historia, el análisis, la filosofía, el método, la crítica, la conservación y restauración, la semiótica, la cultura, los proyectos, en fin son muchas las áreas en las que uno puede verse interesado y completamente anonadado de conocer.

Sin embargo una de las cosas más básicas que descubrí al iniciar las clases de dibujo fue la sanguina, nunca antes había escuchado acerca de esta técnica o material y mi primera impresión cuando escuché su nombre fue ¿y eso con qué se come?

Pues resulta ser, que la sanguina es uno de los materiales más clásicos en el dibujo, fue utilizado comúnmente por los grandes maestros del arte renacentista, como Da Vinci por solo mencionar un ejemplo, esos dibujos rojizos o con tonos aladrillados que solemos ver en los libros son precisamente hechos con sanguina, tarde llegó a mi ese conocimiento, pero una vez obtenido jamás lo olvidaría, la sanguina también es llamada tiza roja y está basada en una variedad de óxido férrico.

Textura

La textura es propia de un material o técnica seca, parecido al pastel, es decir es polvorienta y se adhiere mejor a los papeles cuya superficie no es lisa, en el mercado hay blocks de dibujos especiales para técnica seca, como el carboncillo y el pastel, estos también sirven para la sanguina.

Presentación

La sanguina suele presentarse en barras parecida al pastel, o comprimida en lápices de madera, en el renacimiento se presentaba solo bajo la forma de polvo o barra, el color de la sanguina siempre será el mismo pero suelen haber variaciones tonales. Hay otros muy parecidas que les llaman cretas y vienen en otros colores incluyendo el blanco, sin embargo la sanguina es color sanguina y ya, es decir rojiza.

Técnica

Con la sanguina, la técnica suele ser muy parecida que con el carboncillo o la tiza pastel, esto va a depender mucho de los gustos del artista, es decir, bien puede hacerlo todo con la sanguina directamente sobre el papel, o puede cargar un difumino con ella y luego hacer la gradación tonal con él, incluso puede usar los dedos (que no es muy recomendado debido a la oleosidad de las manos) o un algodón para difuminar. La sanguina también es llamada Tiza roja, por ello para aplicarla son validadas las técnicas de la tiza pastel, Según el libro de PARRAMÓN (2007). Todo sobre la técnica del pastel. Manual Imprescindible para el artista. Parramón Ediciones, S.A. Barcelona, España, as técnicas son las siguientes:

Técnicas para aplicar la tiza pastel

La presión sobre el papel: la calidad e intensidad de las manchas de color que se realizan con las barras de pastel dependen totalmente de la presión que se ejerza con ella sobre el papel. A mayor presión, mayor cantidad de pigmento se depositara en el papel, y más saturado y opaco resultara el color sobre el soporte. De esta forma, la opacidad del pastel permite al artista aplicarse sin problemas colores claros sobre oscuros, y pintar con empaste o con veladura. Al pintar con empaste se satura con color la superficie del papel por lo que cuanto más gruesa sea la capa de pintura mas difícil resultara que se adhieran encima nuevas capaz de pastel. Para evitar esto es importante hacer manchas de primera intención o aplicar fijador sobre la pintura si se quiere pintar superponiendo capaz.

Con la barra: la anatomía de la barra del pastel permite aplicar la pintura sobre soporte de distintas formas. En función de la parte de la barra que se apoye en el papel, el artista logrará pintar líneas finas o trazos gruesos, que aprovechara para pintar detalles o para cubrir grandes áreas de color. Los bordes circulares de una barra nueva, o bien las aristas de una gastada, producen líneas finas con las que el artista puede pintar el dibujo preliminar o trabajar los detalles, además de utilizarlas para crear efectos o hacer mezclas ópticas.

Las aristas del pastel se van desgastando a medida que se pinta, de manera que lo que es al principio un trazo fino se convierte paulatinamente en otro más grueso. Sin embargo, la base de la barra produce una línea gruesa que, al contrario que sucede con las aristas, no variará su anchura con el desgaste, ya que abarca todo el diámetro del pastel. Se puede pintar también con todo el cuerpo de la barra produciendo así trazos gruesos que resultan muy prácticos para pintar con manchas o para cubrir rápidamente grandes zonas del papel.

Con los dedos: la barra de pastel se desase con facilidad, con lo el artista puedo tomar el polvo y aplicarlo sobre el papel con su propio dedo. La barra de pastel se desase con facilidad, con lo el artista puedo tomar el polvo y aplicarlo sobre el papel con sus propios dedos. De esta forma los resultados son diferentes al color aplicado con la barra, ya que la presión que se ejerce para aplicar el color y la grasa natural de la piel hacen que el polvo se aglutinen ligeramente y resulta manchas de pinturas tan compactas. Para aplicar el color con los dedos basta con tomar un poco con la yema y llevarlo hasta el papel. Otra forma de pintar con los dedos consiste en aplastar sobre el soporte un pequeño pedazo de pastel de modo que resulte una mancha con empaste

Con el pincel: el pincel es un útil de pintura húmeda que puede ser utilizado para depositar el polvo de pastel sobre el papel. El resultado de pintar así es esponjoso, ya que se produce un difuminado. Con este medio no es posible trabajar con empaste. Al contrario de lo que sucede con los dedos, las manchas realizadas con pincel son suaves y transparentes.

Con algodón: una bola de algodón es un medio eficaz para repartir el medio sobre el soporte. Permite tomar una buena cantidad del polvo de pastel para llevarla después sobre el papel. Es ideal para colorear fondos o pintar grandes áreas con rapidez, logrando con él calidades delicadas y transparentes. Al igual que ocurre con el pincel, es difícil que se produzcan manchas opacas y saturadas con este medio, ya que es demasiado suave para ello. El algodón se utiliza también para retirar un exceso de color.

Técnicas para difuminar la tiza pastel

Con el difumino: el difumino en un canutillo de papel muy absorbente que ha sido afilado en sus extremos para poder extender y difuminar el color sobre el papel. Se comercializa difuminos en muchos tamaños, lo que permite utilizarlos para pintar grandes áreas y también para detalles. El difumino es un utensilio indispensable para pintar al pastel, puesto que cumple su función perfectamente: evita que el pintor se ensucie los dedos y su afilada punta permite difuminar pequeñas manchas y puntos de color. El gran inconveniente del difumino es que se ensucia rápidamente y si se trabaja con un difumino lleno de pigmento se ensuciaran los colores.

Con el dedo: los dedos del artista se utilizan para aplicar el color, para pintar con empaste y también para difuminar. Es el útil inmediato del artista y tal vez el que maneja mejor. La fina capa de grasa que los cubre adhiere el pigmento al papel y lo amasa ligeramente, de modo que el resultado de pintar con los dedos es siempre más compacto. Pero los dedos, además de su grasa natural, pueden producir sudor. Esta sustancia naturales de la piel aglutinan el polvo de pigmento de modo que en ocasiones se hacen grumos al difuminar el color con el dedo. Para evitar esto es importante tener las manos limpias de grasa y frotar ligeramente la barra del pastel antes de difuminar.

Con algodón: el algodón es una materia suave que reparte el pigmento de las barras con facilidad. Por ello se utiliza también para difuminar el color, sobre todo cuando se trata de grandes áreas o cuando se quiere lograr un efecto delicado o esponjoso. Ya que la anatomía de las bolas de algodón no favorece los limites preciso, se pueden utilizar palillos de algodón para los bordes y detalles.

Con el pincel: aunque es propio de las técnicas húmedas, se utiliza también en las técnicas del paste. Además de servir para deslavar el color con agua, su función en esta técnica es la de un cepillo ya que sirve para limpiar el papel de un exceso de polvo y difuminar el color. pero los difuminados con pincel no se asemejan a los otros ya que el pelo es sumamente suave y no permite hacer presión, además, se introduce en las cavidades del papel y no fija el pigmento si no que produce el efecto contrario, lo despega y reparte y de forma uniforme. Por ello, los difuminados con pincel resultan muy suaves y transparentes.

Mi Experiencia con la sanguina

Vale la pena decir que, hace cinco años la crisis que azota a mi país no estaba tan fuerte como actualmente y pude comprar mi lápiz de sanguina de buena marca, con ella hice mi primer intento de dibujo, era solo una prueba, lo realicé en una cartulina no muy buena para atrapar el material, una Bristol escolar de un block de 35x50cm, en ella dibuje un panda comiendo bambú.

Posteriormente, cuando estaba en segundo semestre nuestro gran Maestro Antonio Pavón, de la asignatura Dibujo Anatómico, nos planteo la idea de un concurso como prueba final de cada corte de la asignatura, en el segundo concurso tomamos como antecedente los dibujos realizados por el pintor, escultor, arquitecto y escritor italiano, Michelangelo Buonarroti (1475-1564), éste para muchas de sus obras, realizaba estudios o bocetos con la técnica de la tiza roja también llamada sanguina el artista demostró las cualidades de esta técnica en estudios como el realizado en la Sibila Líbica, cuya pintura final formaría parte de la Capilla Sixtina.

Entonces el reto para todos los estudiantes era hacer la Sibila en tamaño medio pliego con sanguina. En dicho concurso obtuve el tercer lugar y un hermoso certificado firmado por mi maestro y compañeros. Fue una experiencia bastante gratificante a pesar de que el dibujo lo realicé en una cartulina Fabriano de color amarillo, porque en la tienda no disponían de otro color (yo prefiero el blanco o crema). Aun recuerdo con gran alegría haber realizado ese dibujo, aunque poco tiempo después fui víctima de un robo en donde se llevaron en mi bolso mis sanguinas. Aquí se los muestro:



Todos los dibujos son de mi autoría y fueron realizados en 2013 y 2014.
No poseo datos del dispositivo con que fueron tomadas las fotografías.

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Mi gato Ziggy (Dibujo)

Mi gato llegó a casa hace aproximadamente dos años, debe su nombre al artista multifacético David Bowie cuyo alter ego era Ziggy Stardust, le coloqué ese nombre debido a sus hermosos ojos y mi gran admiración por el artista poco antes de su fallecimiento.

Resulta ser que a mi sobrino le pusieron de tarea hacer una exposición acerca de su mascota, mi hermana no le tiene permitido tener mascota, entonces mi sobrino de 4 años quiso hacer su exposición de mi gato Ziggy, debido a las inconveniencias que se presentaban para poder llevar al gato a su colegio decidí entonces hacerle un dibujo.

El mismo está hecho en la técnica de lápices de colores, sobre cartulina de 21×30 cm, por cuestiones de tiempo no pude realizarlo con mis lápices de colores los cuales tienen una mejor textura, sin embargo, considero que para ser elaborado con los lápices de colores escolares que tenía mi sobrino en su cartuchera, los resultados fueron buenos.

Por otro lado, lamento no tener fotografías del proceso, pero como suelo hacer con los lápices de colores, aplico el color de manera lineal haciendo uso de la técnica tonal, desde el color más claro al más oscuro, como gran parte de su pelaje es de color crema con tonos un poco mas amarillentos, decidí aplicar un poco de tono violeta al fondo para que se hiciera un contraste de color complementario.

Como siempre los gatos son algo esquivos cuando uno quiere mostrarlos, así que aquí les dejo un gif con él.

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Un par de zapatos de Vincent Van Gogh (1886). (ANALISIS PLÁSTICO, SEMIÓTICO Y REFLEXIVO)

¿Qué tanto nos fijamos en los zapatos de un hombre?, a veces solemos ir por la calle, entrar a cualquier sitio sin percatarnos del calzado de la gente, a menos que nuestro estilo de caminar sea derrotero, con la mirada abajo, casi siempre no percibimos en que andan o con que anda (los pies) la gente.

La pintura de Van Gogh, muestran un par de zapatos desgastados, roídos, que pueden pertenecer a cualquier persona de clase trabajadora o un vagabundo si acaso. Esta obra pintada en 1886, de pequeño formato (38 x 46 centímetros), ha generado siempre discusiones con respecto al origen de los mismos más no tanto de su técnica. Tales zapatos bien pudieron haber sido propios, debido a las precarias condiciones que se encontraba Van Gogh, quien sobrevivía gracias al dinero que le enviaba su hermano Theo.

Una visión plástica y semiótica

Creo que ya es de conocimiento común la profunda sensibilidad de Van Gogh, los temas tales como las naturalezas muertas o los bodegones, nunca habían sido cargados de tanta expresividad como los realizados por este pintor holandés, sus flores no solo eran flores, representaban emociones y lógicamente su obra “Un par de zapatos” no está exenta de significado simbólico, es decir, no se queda en lo netamente plástico, sino que conlleva una carga semiótica importante, saber qué significaban las características de ese calzado, podría no solo generar inferencias sobre su origen, sino también, sobre la sensibilidad social que amerita pintar unos zapatos “pobres”.

Los colores marrones casi negros, bastantes terrosos y oscuros no se parecen los azules y amarillos brillantes por los cuales son conocidas su demás obras, los colores son más sobrios, con cierta sencillez cromática, no experimenta con saltos de color abruptos, se dejó llevar por sus pinceladas sueltas no haciendo de ello un festín de color sino más bien una representación fiel a los colores de la pobreza, considero que si la pobreza tuviera sus propios colores, estos serían los utilizados por Van Gogh es esta obra, la cual es además minúscula en tamaño, con formato rectangular de lectura vertical y de composición centrada y estática, no teniendo otro punto de interés más que el par de zapatos al centro.

Por acá les comparto además un resumen en video de una conferencia de Arturo Leyte “Vincent van Gogh y Martin Heidegger – Unos zapatos para la filosofía”, en donde expone la visión de Heidegger sobre el origen de los zapatos de Van Gogh.

Una visión fílmica

En la película Iraní los niños del cielo de 1997, vemos las desavenencias que deben pasar dos hermanos por el hecho de tener que compartir un viejo par de zapatos, no es mi intensión contar toda la historia en este post, pero ejemplo de la trascendencia que puede tener en la vida de una persona el hecho de no poseer zapatos, es manifiesta de forma sencilla pero sublime en este film de Majid Majidi, la cual recomiendo ampliamente.

Asimismo, una frase que se puede encontrar en el cine con respecto a la importancia de los zapatos, es la de “que tan a menudo te fijas en los zapatos de un hombre”, esto lo dice el personaje Red, interpretado por Morgan Freeman en la película “Sueños de fuga” de 1994 , al contar como el personaje protagonista Andy Dufresne, sale de la oficina del director de la cárcel en la noche previo a su fuga, habiendo intercambiado sus zapatos con los recién lustrados del director sin que éste lo notara. A veces andamos por la vida sin mirar los pies de la gente y mucho menos nos ponemos en sus zapatos para ser empáticos con la carga que cada uno lleva consigo.

Un recuerdo familiar doloroso

Las experiencias ajenas nos tocan el corazón como una punzada hecha con metal ardiendo, es el caso de los niños nacidos en los años sesenta en mi país, ciertamente los buenos tiempos, nunca han existido, solo ha habido unos años menos malos, pero esta generación tuvo también su dosis de miseria como la que vivimos actualmente, entre esos años vivió una de las mujeres de mi familia (me reservaré su nombre y relación filial), ella me contó que la suela de sus zapatos para ir a la escuela se habían “rajado” y su padre los había cosido con nylon de un color muy llamativo, a causa de esto, cuando salía a recreo a jugar con sus amigos cualquier juego que fuera en el suelo (metra por ejemplo), ella no se sentaba porque dejaría expuesta la costura de sus suelas para burla de los niños, en cambio se agachaba siempre con los pies sobre el suelo, podía pasar largos ratos jugando en esta posición y se le adormecían las piernas, considero que dichosa de ella si en lugar de las piernas se le hubiera adormecido un poco el corazón y no sentir las burlas de otros niños si le daba por sentarse al suelo.

Una experiencia propia

No a todos les ha sucedido, sin embargo, es común que las personas se queden descalzas en la calle, ya sea por la tirita de la sandalia, el despegado de la suela o ya la completa rotura del cuero o tela del que esta cosida la suela, otros por una suerte igual de mala han sido robados y despojados de su calzado. Lo cierto es que, quedar descalzos es algo que va mucho más allá de la incomodidad de pisar piedritas u objetos que puedan hacer daño, es una cuestión de invasión del sentimiento de angustia y desamparo, de desprotección, como todo nuestro cuerpo comenzando por los pies puede ser invadido no solo de microorganismos del suelo, sino por los agentes sociales externos, la burla, la observación fija y la peor de todas la “lástima”, esto hace que surja el deseo incontrolable de llagar salvo a casa muy pronto.

Reflexión

A todo esto, creo que así como algunas personas pasan por alto comprarse calcetines, solo por ser lo último en que piensan cuando compran ropa, una de las cosas que la clase trabajadora deja pasar son los zapatos, no importa el modelo o marca siempre y cuando resistan para trabajar, las prioridades alimenticias de la familia están en primer lugar.

Sin embargo la falta de tiempo y dinero siempre repercute en nuestro calzado, dependiendo de nuestra faena, ellos demuestran de donde viene la persona, que tan lejos proviene ese polvo que trae en sus zapatos y no se ha dado cuenta que es tan diferente al paisaje donde está en el momento, que tanto ha recorrido, pisar un chicle seria lo menos complejo, un zapato con costuras de un hilo diferente al de fábrica, un zapato con una suela diferente (¿Cuántas veces habrá cambiado la suela o habrá zurcido su calzado?), el zapato brillante (no de nuevo sino de pintura o crema para zapatos para dejar en alto el dicho de “pobre pero aseado”.

La lluvia es lo más hermoso que hay, pero cuando se es pobre la lluvia duele en los zapatos rotos, esos con filtraciones, que de estar en buen estado evitaría mojar las medias. En el mundo hay personas que ostentan su gusto y pasión por coleccionar diferentes tipos de calzado, sin embargo, hay que tener suerte al nacer. Hace poco veía como se hizo viral un video de una persona fabricando una sandalia o chancleta a partir de neumáticos, cualquier persona pensaría que eso es llegar al extremo de la pobreza, pero que tan diferente puede ser el ver a una chica quedar descalza porque sus sandalias de tiritas se reventaron en media avenida.

La actual crisis de mi país, así como en muchos otros países, nos duele en los pies y se nota en nuestro calzado, ya no se trata de tener un zapato que combine con la ropa, se trata de tener un calzado que sirva para toda la ropa y que aguante caminar todos los días al trabajo, la universidad o la escuela por la falta de transporte y de efectivo. Considero que pinturas como la de Van Gogh nos hacen sentir completamente identificados. Para finalizar los dejo con video encontrado en la web Youtube, el cual es una de las cartas de Vincent a su hermano Theo, obviamente no soy autora y por lo tanto no garantizo la posteridad del enlace, sin embargo mientras esté disponible pueden disfrutarlo

Fuente de Imagen

Ficha técnica de la obra:
Autor: Vincent van Gogh
Técnica: Óleo sobre tela
Lugar y fecha: París: julio – diciembre, 1886
Ubicación: Museo Van Gogh . Amsterdam, Los Países Bajos, Europa.

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Mi reencuentro con el retrato.

Saludos en esta ocasión quiero compartirles un ejercicio de retrato que hice de mi amiga @yetsimar. He titulado así mi post porque ciertamente hace muchísimo tiempo que no dibujo un retrato, a veces como estudiante de arte, nos dejamos abrumar por el talento de los demás o por las críticas a veces no muy constrictivas de algunos profesores. Lo cierto es que muchos estudiantes de arte dejamos de dibujar o lo hacemos con muy poca frecuencia una vez en la universidad, esto es más común de lo que parece y aunque muchos siguen entusiasmados y no dejan de mejorar sus habilidades algunos descubrimos otras y dejamos de practicar las básicas.

Ahora me siento un poco culpable por no haber practicado lo suficiente, aunque en Dibujo Anatómico me haya ido muy bien, siempre tenía el demonio de la “falta de talento” en el closet. Hoy al estar en un semestre muy avanzado de mi carrera, agobiada de ocupaciones y responsabilidades, es irónico que me sienta un poco más libre para dibujar, ya las materias prácticas acabaron y ya el compromiso es conmigo misma. Me arrepiento de tantos años de procastinación con respecto al dibujo, sin embargo, Steemit por ser la plataforma por la cual estoy exponiendo por primera vez de manera independiente mis creaciones, me ha motivado a reencontrarme con el retrato.

Boceto inicial

El retrato de mi amiga @yetsimar lo hice a partir de una fotografía de su perfil (no es un modelo vivo). Aquí el retro era poder configurar el rostro sin perder los detalles que la identifican, como lo son sus llamativos ojos y sus muy exuberantes y carnosos labios (Sí mi amiga es muy bonita). Tuve algunos problemitas al hacerlo y sé que debo mejorar, sin embargo para ser el primer retrato que hago hace mucho tiempo, es un buen comienzo.

Aplicando valores

Posteriormente al dibujo estructural lineal, me dispuse a hacer las primeras manchas con un lápiz 6B, luego valoricé los ojos y la boca, una vez hecho esto me dispuse a darle más fuerza a los valores del rostro.

Ropa y Cabello

La ropa solo se dejaba ver una muy pequeña parte la cual era de color negro, no quise darle mayor importancia en el dibujo, sin embargo el cabello ondulado a veces representa un problema, comencé por las primeras líneas para luego ir valorizando poco a poco, así como también le daba más fuerza a la piel.

Resultado

Los primeros pasos son más difíciles, más aún cuando se recorre un camino antes abandonado. Espero que les haya gustado el resultado y me acompañen en este nuevo comienzo con el dibujo de retratos.

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“Saint Barbie” de Mark Ryden. Análisis semiótico según la Tríadica de Pierce.

¡Saludos!, en esta ocasión les comparto un análisis de semiótico de una obra plástica que me gusta mucho, es el caso de Saint Barbie del artista estadounidense Mark Ryden, su estilo está catalogado dentro del Pop Surrealista, contemporáneo obviamente, no deja de sorprender por su impresionante técnica al oleo así como su temática controversial.

Titulo: Saint Barbie
Autor: Mark Ryden
Año: 1994
Técnica: Oleo

En términos generales y para no exponer términos muy complejos, la semiótica es la encargada del estudio de los símbolos y signos que nos rodean, es decir vivimos en un mundo cargado de representaciones y significaciones particulares para cada hecho o fenómeno del que somos parte, tanto a nivel social y cultural como a nivel psicológico y conceptual, esto va determinado por muchos factores, pero para poner un ejemplo podemos decir la palabra flor y que todos tengamos en mente algo diferente, algunos tendrán en mente un rosa y otros tendrán en la mente una compañera de escuela llamada Flor.

A través de la historia, hay muchos pensadores que han creado su propia teoría semiótica, basadas tanto en las manifestaciones plenamente lingüísticas como en otros campos, han logrado conciliar mas o menos los mismos postulados, sin embargo, una de las teorías semióticas mas conocida es la teoría de Pierce, el cual propone la tríadica entre el Representamen, Interpretante y Objeto.

En dicha teoría me baso para realizar el siguiente análisis, mi fuente de estudio fue el libro de ZECCHETTO, VICTORINO, (2002). La danza de los signos. Nociones de semiótica general. Ediciones ABYA-YALA. Quito. Ecuador. El cual pueden conseguir completamente gratis con una búsqueda online en formato pdf. Los dejo entonces con mi análisis:

Representamen

Según la teoría de Pierce, el representamenn “es lo que funciona como signo para que alguien lo perciba” y “está siempre en lugar de Otra cosa” en este caso, vendría siendo la obra Saint Barbie, la cual es una pieza pictórica, bidemensional, elaborada en oleo sobre madera, ésta sigue un esquema compositivo tradicional, rectangular de orientación vertical, en donde se nota la aplicación del ideal áureo para el foco de atención de la obra (la Barbie).

Además, es un tipo de obra figurativa, en donde se denota una narrativa, la cual se comprende de una niña rubia hincada en un camino empedrado a cielo abierto, con mirada al cielo, con lagrimas en los ojos en posición de oración, observando la figura de una muñeca plástica, delgada, rubia y desnuda que está de pie sobre una nube de color rosa, de igual forma el paisaje es onírico, haciendo uso de colores pasteles, en donde predomina igualmente el rosa. Por otra parte, en la esquina inferior izquierda está representada una flor en cuyo centro se observa un ojo y en la esquina superior derecha una mariposa antropomorfa. Además, en la parte inferior del cuadro se observa un listón de pergamino donde se lee la inscripción “Saint Barbie”.

Interpretante

“Es la idea del representamen en la mente del que percibe el signo”, en este sentido, el espectador puede dar lectura fácilmente a la muñeca que es adorada en la imagen y reconocer inmediatamente que se trata de “Barbie”, la cual se ha convertido en símbolo de la cultura popular, es por convención uno de los primeros juguetes socialmente aceptados para el sexo femenino en su niñez, se puede decir entonces que, la Barbie se ha convertido en un ícono de la infancia femenina, pero también en un símbolo del rol estereotipado que se la da a la mujer desde hace unas cuantas décadas atrás, en donde se condensa el culto a la belleza o ideal de belleza, como también las conductas banales y superficiales al consumo de productos cosméticos que subrayan el canon delgado, rubio y bien maquillado; en tanto que sumisa en cuanto a las tareas que pueda ejercer en la sociedad, conforme a los puestos de trabajo que puede optar dentro del patriarcado occidental.

Asimismo, la Barbie se presenta desnuda, su plasticidad es evidente en la ausencia de pezones y de vulva, sin embargo, tal omisión no le quita la sexualidad expresa en la inhibición sexual que se hace eco de su persona, a la muñeca Barbie se le ha hecho una personalidad propia, su mercadeo ha hecho que se le asocie a la vida “monógama” pues solo se le conoce una pareja el “Ken” pero igualmente se le incorpora un cierto hedonismo en cuanto a la sexualidad y el placer de tener objetos materiales, carros y casas de lujo formándose la idea que no solo se debe ser “bonito”, sino tener objetos “bonitos” y “parecer bonito” es el anhelo de muchas niñas.

Por otro lado, se hace uso recurrente del color rosado como elemento alienante de la sociedad de consumo que impuso el uso de colores específicos a cada género, cuyo génesis es el interés mercantilista, pues en un principio los niños y niñas solían vestirse de colores neutros sin darle importancia mayor a su escogencia. Por su parte, la flor que se observa en la escena central, tiene un ojo en el centro el cual podría interpretarse como el icono egipcio y posteriormente utilizado en la masonería, de el ojo que todo lo ve, es decir, que la acción que allí se representa es siempre observada y nada escapa a la verdad de los hechos, de las apariencias y de que nada puede estar oculto.

Objeto

“Es aquello a lo que alude el representamen” es decir “a lo que el signo hace referencia”. En este orden, la obra alude a un claro mensaje de protesta e inconformidad con la sociedad actual, los estereotipos de género, la sociedad de consumo y el patriarcado, es evidente que el artista hace uso de la iconografía contemporánea para expresar su mensaje, a través de la imagen, es decir, su obra es todo un discurso no lingüístico, pero en toda la expresión de la palabra un discurso reaccionario de inconformidad social.

Fuente de imagen:

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SE COMPRA ORO Y PLATA (Experiencia y proceso de mi primera ilustración digital).

¡Saludos! en esta ocasión quiero mostrarles mi primera ilustración digital, la cual fue realizada en el mes de junio del presente 2018. Cabe destacar que los medios digitales no son mi fuerte o por lo menos es donde menos experiencia tengo. Mi formación en artes plásticas, como bien su nombre lo indica, es en la plástica, el dibujo la pintura y también la escultura, sin embargo, en un semestre vi algo de diseño gráfico, pero como no es una mención ni especialidad en la universidad donde estudio, lo cual en la actualidad es un poco contradictorio, fue muy básico lo que aprendí allí.

Motivación Vs Dificultades técnicas.

No fue sino por la motivación de ver a mi amiga @yetsimar ilustrar de manera libre, sin presiones, de forma autodidacta, que me animé a intentarlo; no puedo decir que cuento con los medios necesarios para comenzar a ilustrar de manera efectiva, solo poseo una minilaptop Canaima con Windows 7, en la cual, no sé por qué motivo los programas básicos de ilustración digital no funcionan del todo bien. Descargue Photoshop Cs6 e Illustrator Cs6, al instalarlos algunas funciones dejaron de funcionar, no podía abrir ambos al mismo tiempo, además cada vez que abría y cerraba uno de ellos si necesitaba volver a abrirlo debía instalarlo de nuevo.

Asimismo, el Photoshop no me permitía guardar los archivos Psd ya listos en otro formato que no fuera el mismo, es decir, la única forma de sacar las ilustraciones en imágenes jpg, png u otro, era en la opción de guardar para web en la cual la resolución máxima es 100. Intenté muchas veces instalar otras versiones pero incluso unas ni siquiera abrían. Al no tener dinero para pagar algún técnico que me ayudara a solucionar el problema decidí sobreponerme a estos problemas y continuar a pesar de todo, e intentar ilustrar o mejor dicho aprender a ilustrar de manera digital.

Mi regreso al dibujo libre

Me había alejado por mucho tiempo del dibujo sencillo, es decir, dibujar cualquier cosa en cualquier momento sin prestar atención a comentarios como de que era un dibujo infantil, sin canon o incluso si parecía a un dibujo animado. La chispa de mi infancia y adolescencia por dibujar “muñequitos” se había apagado abruptamente en la adultez, más aun en la universidad de artes con tantas reglas con respecto al dibujo, dichas reglas son importantísimas y ayudan muchísimo, sin embargo, a veces las ganas de expresarse a través del dibujo en ciertos y determinados momentos se ve coartada cuando piensas que la perspectiva está mal, el canon está mal y los pensamientos, unas veces tristes y otras alegres, que querías drenar con el dibujo se convierten en frustración.

Terapia y experimento social

El dibujo que digitalicé forma parte de una serie de dibujos que comencé a hacer en los días más tristes de una semana complicada, me ayudo bastante en cuanto a la representación de sentimientos que no podía expresar con palabras. Dibujar no es algo que hiciera con tanta frecuencia incluso en los días alegres, pero aquellos días grises decidí dibujar.

Como sucede muchas veces , en mi caso particular guardo mis sentimientos por no tener a quien expresarlo en el momento o peor aún, no tener como expresarlo, decidí entonces que el resultado digital del ejercicio catártico del dibujo lo mostraría en el muro de mi cuenta personal de facebook, para ver las reacciones y comentarios las personas, fue un tipo de experimento social que me ayudaría a exponerme de una manera más íntima a mis amigos en facebook, en el peor de los casos, el dibujo solo pasaría inadvertido como muchas publicaciones, o alguno de mis talentosos contactos se pusiera a criticar el nivel técnico.

Sin embargo, las reacciones me sorprendieron, en total la imagen obtuvo 68 reacciones, divididas en 41 me gusta y 27 me encanta, quizá ese número no sea tan elevado para algunas personas, pero para mis publicaciones en general está muy por encima de mi media. De este modo, me sentí con ánimos para seguir aprendiendo y ahora tengo menos temor de expresarme y exponer mis trabajos a la gente.

Temática

La ilustración en general suele ser criticada por su carácter anecdótico, es decir, casi siempre cuenta una historia de manera muy evidente, no todas claro está, pero si es un recurso más o menos común el recurrir al dibujo para representar una idea de manera casi literal. El dibujo que decidí digitalizar trata de tema muy personal e incluso algo que nos afecta a muchos de mis paisanos venezolanos y es el tema de la crisis económica y la migración.

En este sentido, vale la pena mencionar que soy madre soltera, completamente a cargo del cuidado de mi hijo con la ayuda incondicional de mi madre y el apoyo económico de mi padrastro, en el caso venezolano no es un buen panorama incluso para los que tienen la suerte de aun encontrarse en buenas condiciones económicas, siendo las madres solteras gran parte de las personas que han migrado del país para trabajar y enviar dinero para el sustento de sus hijos o en muchos caso llevándoselos a todo riesgo.

Por otro lado, siendo el Bolívar una de las monedas más devaluadas actualmente con respecto a al Dólar, el Euro y todas las monedas latinoamericanas, se ha visto un gran incremento de locales comerciales dedicados la compra de prendas de oro y plata en la nación, personas de todos los estratos ceden a la presión y deciden vender incluso aquella pequeña prenda de oro, tal vez herencia de una abuela de la familia o incluso los anillos de matrimonio, para encontrar el dinero suficiente para el sustento o para completar el pasaje para migrar.

Yo no tengo nada de valor para vender, lo único valioso que tengo es el amor y pasión que pongo en todo lo que hago, sería muy egocéntrico decir que mi corazón vale oro, sin embargo, es lo único que puedo ofrecer, sin que esto parezca que mi amor lo cambiaría por dinero, con mi dibujo solo pretendo representar la angustia de sentir que lo único de valor que tienes no te alcanzaría para comer en Venezuela , llevo de la mano a mi hijo porque el mismo me ayudo a juntar las piezas de mi corazón roto, ponerlo en funcionamiento de nuevo y hacer que valga oro.

Técnica y proceso

Por ser mi primera ilustración digital fue un proceso largo, entre equivocaciones y los problemas explicados anteriormente, me llevo algunos días terminar mi creación, sin embargo a manera de resumen enumeraré los pasos que seguí:

1. Realización del boceto en lápiz grafito sobre papel.

2. Tomar fotografía del boceto y exportarlo a Illustrator Cs6 para su vectorización.

3. Exportar el archivo vectorizado a photoshop y comenzar a pintar, usando tres tonos por cada color (alto medio y bajo) y separando cada área del dibujo por capas.

4. Pintar comenzando por los tonos medios de cada área, luego los bajos y por último los altos, usando la herramienta dedo para mezclarlos.

5. Agregar fondos, luces y detalles.

El mejor resultado: la experiencia

Creo que el mejor resultado obtenido fue la experiencia, actualmente desde la fecha solo he realizado 5 dibujos más en digital, hay cosas que apliqué en el primero que ahora haría de manera diferente, ya que conozco un poco mejor las herramientas, sin embargo, queda registrado mi proceso aun cuando la sistematización del paso a paso no fuera tan efectiva como lo sería ahora, cada día se aprenden cosas nuevas y en mi caso debo seguir luchando por aprender, aun cuando las circunstancias y los medios que poseo no me favorezcan. Llegué un poco tarde a la tecnología pero eso no es excusa para no intentarlo.

Espero les haya gustado. Les invito a leer mis próximas publicaciones y siempre estaré dispuesta a responder sus preguntas y comentarios. ¡Muchas gracias!

Doña Caprina Curvispinus (Ilustración)

¡Saludos! esta ocasión les comparto un ejercicio que realicé hace un buen tiempo para la asignatura de técnicas de expresión plástica en la universidad, el mismo formaba parte de una exposición colectiva con mis compañeros, en la cual la temática era Bestiario.

Cabe destacar que, un bestiario es una serie de figuras conformadas por partes de diferentes seres, tantos humanos, animales y vegetales, son comunes las bestias mitológicas en la antigüedad por tomar un ejemplo, sin embargo, cada estudiante debía realizar su bestia acorde a la temática de trabajo personal, además de combinar tres técnicas de su preferencia de todas las que vimos en la asignatura.

Para mí fue un ejercicio bastante gratificante, debido a que precisamente mi temática personal de trabajo son los mitos y leyendas de mi Ciudad natal Carora, estado Lara, Venezuela. Entonces me dispuse a crear la breve historia que debía contener la etimología del nombre, así como la explicación morfológica de la bestia relacionada con los mitos y leyendas de Carora. Es decir cree no solo un hibrido morfológico sino también mitológico, al combinar las diferentes leyendas de Carora para crear un historia original de un personaje inédito creado por mí. Las técnicas que utilice fueron el marcador en aguada, la tinta con plumilla y el bolígrafo. Este fue el resultado:

Titulo: Doña Caprina Curvispinus
Año: 2016
Técnica: Mixta (marcador, tinta y bolígrafo) sobre cartulina
Dimensiones: 35 x 50 cm

Doña Caprina Curvispinus

Es una Dama de la alta sociedad Caroreña, hace alarde de su acomodada posición social y su casta goda, acostumbra ir todos los domingos a misa en la Catedral San Juan Bautista o a la Capilla el Calvario, dejando encerrado en el cuartico de los locos al fruto de su endogámico matrimonio. La aridez de Carora ha moldeado su carácter, es conservadora y soberbia, su avaricia y fuerte racismo hace que sea considerada el diablo en persona, como planta espinosa absorbe lo mejor de esta tierra y da a cambio lo peor, poseedora de grandes hectáreas llenas de siembra y ganado caprino fue víctima de la maldición del fraile Idelfonso, la cual le convirtió de Dama de día y bestia de noche, cabra, cactus y mujer a la vez.

Etimología

Doña: Manera respetuosa de llamar a una Dama casada de alta sociedad.

Caprina: los caprinos (Caprinae) son una subfamilia de mamíferos artiodáctilos que constituyen parte importante de la ganadería Caroreña.

Curvispinus: derivado del nombre del Melocactus curvispinus, es un epíteto latino que significa “con espinas curvas”.

Cabeza y Brazos de Chivo, cabra o chiva (Capra aegagrus hircus).

El cual es un mamífero artiodáctilo (sus extremidades terminan en dedos y estos terminan en pesuñas) de la subfamilia Caprinae, que es domesticado por su carne y leche, es el tipo de ganado más común y que mejor soporta la condiciones climáticas en Carora. También el Macho Cabrio, derivado de la mitología griega del Dios Pan, asociado a fertilidad fue tergiversado por el cristianismo a Satanás, dándole una connotación maléfica a la figura del Chivo, desde entonces nace la creencia que el Diablo tiene cuernos y aspecto similar a este. Producto de la leyenda del Diablo de Carora, se suele decir que el diablo anda suelto, por lo tanto cada mal suceso en esta ciudad se le atribuye al Diablo. Doña Carprina tiene este aspecto debido a su maldad y a sus riquezas ganaderas.

Torso de mujer.

Como toda dama de la época de antaño en Carora, Doña Caprina Curvispinus suele vestir con exuberantes trajes similares a los victorianos, con las limitaciones climáticas que pueda tener, no muestra pudor al ajustarse diminutos corsets que resaltan su figura, las apariencias lo son todo para esta superficial y vanidosa mujer.

Extremidades de Melocactus curvispinus

La cual es una especie de planta perteneciente a la familia Cactaceae, común en Carora en donde se le suele llamar Buche, tiene tallo esférico deprimido a corto cilíndrico, de color verde oscuro, ligeramente glauco que alcanza un diámetro de 8 a 27 centímetros crecen hasta una altura de 6 a 30 cm. Tiene 10 a 16 costillas puntiagudas y algunas veces ligeramente verrugosas. Las areolas están hundidas ligeramente, de ellas surgen espinas de color sucio blanco a casi negro algunas son curvas. Doña Caprina Curvispinus, suele tener características similares a una planta xerófila, capaz de absorber grandes beneficios de los terrenos más áridos, su avaricia no desperdicia oportunidad de sacar provecho a los pobres (terrenos pobres y personas pobres).

Informacion técnica del Melocatus Curvispinus: https://bioyofregomez.wordpress.com/2017/12/07/melocactus-curvispinus/

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